2012

Auf der Flucht: Jackson (John Cusack) flieht mit seiner Familie (im Bild: Tochter Lilly (Morgan Lily)) vor dem drohenden Weltuntergang. In China sind angeblich Rettungsschiffe versteckt.

1.5 Sterne

Godzilla, Independence Day, The Day After Tomorrow - man kann nicht sagen, Roland Emmerichs Katastrophenfilme seien, gemessen an der Thematik, nicht vielfältig. Was den Inhalt betrifft, ist der in die USA ausgewanderte Deutsche jedoch ideenlos und untalentiert. Der Film über die japanische Kult-Killerechse war zum Haareraufen hirnlos, die Alien-Invasion vom 4. Juli langweilte die Massen und die moralisierende Klimaschutzlektion war zwar akzeptabel, krankte aber vor allem daran, dass, trotz des aktuellen Themas, Glaubwürdigkeit gar nicht aufkam. So gesehen passt der gigantischste Film in Emmerichs Œuvre, der bombastische 2012, sehr gut ins Gesamtbild. Ein annehmbarer Katastrophenstreifen ist das Resultat, könnte man denken. Falsch. Das aufgegriffene Motiv, das angebliche Ende der Welt am 21. Dezember 2012, basierend auf dem Kalender der Maya, wird so bearbeitet, dass es jedweden Intellekt beleidigt und eigentlich nur zu Sarkasmus taugt.

Die Annahme, die Welt komme zur Wintersonnenwende 2012 an ihr Ende, ist inkorrekt, das sei schon einmal verraten. Neuste Nachforschungen haben ergeben, dass sich die Wissenschaftler, die den kryptischen Maya-Kalender entschlüsselt zu haben glauben, um 208 Jahre vertan haben. Zudem halten die meisten respektierten Wissenschaftler, die etwas diesbezüglich zu sagen haben, die Erklärung, den Maya sei einerseits die Mathematik zu kompliziert, andererseits die ganze Vorhersagerei zu mühsam geworden, für die wahrscheinlichste. Allein mit diesen Fakten im Kopf, erscheint einem 2012 auf den ersten Blick gar nicht einmal so besonders an den Haaren herbeigezogen, denn die Prophezeiung spielt während des Films so gut wie keine Rolle. Selbst das Datum des 21. Dezembers wird auf halbem Wege über Bord geworfen. Vielmehr nahmen Roland Emmerich und Harald Kloser in ihrem Drehbuch eine bestimmte Planetenkonstellation, die in drei Jahren eintreten wird, als Grundlage. Diese wird tatsächlich geschehen, wird aber aller Voraussicht nach nur minimale Effekte auf unseren Planeten haben. Und da fangen die Probleme von 2012 an. Der Zuschauer wird ins kalte Wasser geworfen und muss sich gleich zu Beginn mit einer für Katastrophenfilme typischen Unart, dem unter jüngeren Filmspezis liebevoll "Random Scientific Crap" genannten Stilmittel, herumschlagen. Man fühlt sich wie in einer langweiligen Chemielektion, wenn sich die ersten fünf Minuten des Films um solare Gasexplosionen und physikalisch reagierende Neutrinos drehen. Dabei ist dieses pseudowissenschaftliche Gefasel nichts anderes als Blendwerk. Dass das Konzept von 2012 natürlich völliger Quatsch ist, hat sogar Roland Emmerich selber zugegeben. Dies schützt ihn aber nicht vor kritischer Betrachtung seines Streifens. 1'500 Meter hohe Wellen, die den Himalaya problemlos unter Wasser setzen? Ein schmelzender Erdkern? Menschen überleben eine Vulkan-Aschewolke? Auch ein zur Unterhaltung produzierter Actionreisser sollte sich an ein paar Grundregeln halten. Ausgeschlossen davon sind Faktoren wie minutenlanges Luftanhalten und das unbeschadete Überstehen jeglicher Gefahrensituation; das sind offenbar Standardprämissen, die man in derartigen Filmen hinnehmen muss. Sieht man von diesen gigantischen Plotlöchern ab, bleiben noch die erzählte Geschichte und die Dialoge, die das Drehbuch retten könnten. Tun sie es? Die Antwort lautet - oh Wunder - nein. Schlimmer noch, die resultierende Moral stinkt nach unterschwelligem Zynismus. Nicht nur wird darin quasi ein ganzer Erdteil verkauft, nein, es wird indirekt die Frage gestellt, was denn so schlimm an Milliarden von Toten sei, solange die klassische amerikanische Familie Wiedervereinigung feiern darf. Vorbereitet wird die Moral durch eine löchrige Story, die, mit Ausnahme eines Staatsangestellten, gespielt von Oliver Platt, mit platten Charakteren, deren Konflikte auf die banalste Weise gelöst werden, massenweise Klischees und endlos ausgeschlachteten Actionsequenzen garniert ist. Positiv anzumerken sind ein paar gelungene Anspielungen auf aktuelle Politiker, etwa der augenzwinkernde Arnold-Schwarzenegger-Verschnitt, der italienische Staatschef, der sich ideologisch nicht mehr von Silvio Berlusconi unterscheiden könnte, oder die Karikatur der englischen Queen und ihrer geliebten Hunde.

Unter den drögen Figuren lassen sich wenigstens noch ein paar einigermassen befriedigende Schauspielleistungen entdecken. John Cusack rennt so würdevoll wie er nur kann durch die haarsträubend formelhafte Geschichte, Danny Glover wehrt sich bewundernswert gegen das Ertrinken in der schablonenhaften Einfältigkeit seiner Figur, des volksnahen Präsidenten der USA, und Woody Harrelson ist als wissender, liebenswerter Besessener - ein in Katastrophenstreifen schon zigmal bemühter Protagonist -, ein willkommener Farbtupfer in einem ansonsten absolut farblosen Film. Doch auf jedes Mitglied dieses Trios kommen zahlreiche unnötige Personen und schwache Schauspieler. Zlatko Buric unterhält das Publikum mit markigen Sprüchen des Bilderbuch-Russen, was sein hölzernes Spiel in einem besseren Licht erscheinen lässt, aber Morgan Lily, Liam James, Amanda Peet - John Cusacks Filmfamilie - sowie Zlatko Burics Filmfrau Tamara (Beatrice Rosen) würde man am liebsten im Yellowstone-Vulkan versinken sehen. Schliesslich wären noch Thomas McCarthy, John Cusacks Rivale in Liebesdingen, Thandie Newton, die emotional verwirrte Präsidententochter, und Chiwetel Ejiofor, der unbedeutende Wissenschaftler, dem die zweifelhafte Ehre zukommt, den Reichen der Welt zu sagen, dass nur sie gerettet werden - das versteht Emmerich wohl unter Sozialkritik -, erwähnt werden, die allesamt schauspielerisch nicht stattfinden. Naja, vielleicht findet sich im nächsten Teil der Twilight Saga ein Part für sie, dort wären sie sicherlich hervorragend aufgehoben.

Fassen wir kurz zusammen: 2012 ist hirnlose, recycelte Dosenkost mit zynischen Untertönen, die mit einem selbstzufriedenen Grinsen jedwede Logik über den Haufen wirft. Sind aber wenigstens die Actionszenen beeindruckend genug? Nun ja, anfangs erfreuen schöne Bilder vom ausbrechenden Yellowstone-Supervulkan das Auge des Zuschauers. Auch die Zerstörung von L.A. hat optisch durchaus ihren Reiz, doch in der Folge wiederholen sich die Vernichtungen nur noch. Das Ganze wird noch langweiliger als es eh schon ist und der Zuschauer muss sich um inkonsistente Familienverhältnisse kümmern. Genau das, was man in einem Film, in dem angeblich die Welt untergeht, sehen will, oder? Zudem ist das CGI bei weitem nicht über jeden Zweifel erhaben. Insbesondere die Risse im Boden, die im ersten Akt ihre Wirkung als Spannungsaufbau grandios verfehlen, sehen arg verpixelt aus. Die anderen Spezialeffekte sehen so aus, als wären sie 1:1 aus anderen, weniger miesen Filmen kopiert worden.

Mehr gibt es wirklich nicht zu sagen. 2012 ist - ganz in der Tradition von Armageddon oder The Core - ein lachhafter Film für die breite Masse, die zufrieden ist, wenn sie eine Abwandlung dessen, was sie schon x-mal mit angesehen haben, zu Gesicht bekommt. Dem Film fehlt es an jeglichem Feingefühl und erzählerischer Finesse, die Effekte haben sich nach 45 Minuten totgelaufen und die zarten Denkanstösse, die das Ende vermitteln soll, werden durch die schiere Idiotie auf der Leinwand im Keim erstickt. 2012 ist nichts anderes als profitorientierte Geldmacherei und die Produzenten machen keinen Hehl daraus. Sollte die Erde sich 2012 wider Erwarten tatsächlich in ihre Einzelteile zerlegen, dann wäre es um derartige Machwerke nicht schade.

(500) Days of Summer

Wie alles begann: Summer (Zooey Deschanel) und Tom (Joseph Gordon-Levitt) kommen sich bei einer Firmenfeier in einer Bar näher.

5.5 Sterne

Das altehrwürdige Genre der romantischen Komödie hat auch schon bessere Zeiten gesehen. Die grossen Studios scheinen momentan nur noch den ewig gleichen Einheitsbrei (The Proposal, The Ugly Truth) oder gänzlich humorfreie Versuche, "anders" zu sein (What Happens in Vegas..., All About Steve), zu produzieren. Wer Wert auf Romantik, Humor und Substanz legt, ist meistens mit Independentfilmen am besten beraten. Besonders FOX Searchlight hat sich in den letzten Jahren in Sachen gehaltvolle Komödien hervorgetan. 2007 landete das Studio den Überraschungshit Juno, dieses Jahr griffen sie Marc Webb bei seiner ersten grösseren Inszenierung unter die Arme. (500) Days of Summer hat ist zwar von der Grundidee her recht konventionell, überrascht aber angenehm mit ausgefallenen Einfällen, frechen Dialogen und dem Versuch, den Status der Liebe in unserer zum Zynismus neigenden Zeit zu erfassen.

(500) Days of Summer packt einen schon von der ersten Sekunde an. Der Text "The following is a work of fiction. Any resemblance to persons living or dead is purely coincidental ... Especially you Jenny Beckman ... Bitch." erscheint am Anfang auf der Leinwand und schon ist der Kinosaal von Gelächter erfüllt, ohne dass auch nur ein bewegtes Bild zu sehen gewesen wäre. Es ist auch nicht die übliche Art Spannung, die einen in diesem Moment gefangen nimmt. Man fragt sich nicht, wie sich der Plot entwickelt oder wer den Film überleben wird; vielmehr kann man es kaum erwarten zu sehen, auf welche Weise die weiteren Lacher erzeugt werden. Und die Erwartungen werden erfüllt. Scott Neustadter und Michael H. Weber führen in ihrem Drehbuch den Kniff, Musik und Filme aktiv in die Geschichte einzubinden, zur Perfektion. Augenzwinkernde Anspielungen wie die Fehlinterpretation von The Graduate oder die scheinbare Unmöglichkeit, dass Ringo Starr jemandes Lieblingsbeatle sein kann, werden zu Konfliktsituationen und Wendepunkten erhoben. Solche festen Pfeiler sind wichtig, da (500) Days of Summer nicht linear erzählt wird. Der Film fängt am 290. der 500 Tage an und hüpft in der Folge scheinbar beliebig zwischen den Tagen herum. Anfangs wirkt dies zwar irritierend, wird aber bald gar nicht mehr wahrgenommen. Auch ist die erzählte Geschichte weniger an einem geradlinigen Aufbau interessiert, sondern fixiert sich mehr auf bestimmte Ereignisse in der Beziehung von Tom und Summer. Und genau dort kommen die ausgefeilten Dialoge ins Spiel. Diese sind gespickt mit kleinen Frivolitäten sowie Anspielungen auf populärkulturelle Themen und diese erschöpfen sich nicht in unbeholfenen Pointen. Ganz nach dem Monty-Python-Rezept "Der Witz ohne Pointe ist der beste." werden eigentlich normale Sachverhalte von der etwas abseitig denkenden Summer aus einer neuen, ins Absurde tendierenden Perspektive gezeigt. Auch die Arbeit mit Montage und Split-Screen ist den Autoren und dem Regisseur Marc Webb ausgezeichnet gelungen. Wenn man dem Trio einen Vorwurf machen kann, dann der, dass das Ende vielleicht eine Spur zu süsslich geraten ist, was dem Tonfall des ganzen dritten Aktes etwas zuwiderläuft. Aber es handelt sich ja schliesslich um eine Komödie, da sei ihr das immerhin unvorhersehbare Happy End verziehen.

Bevor (500) Days of Summer in den USA erschien, wurde er in erster Linie als Zooey-Deschanel-Vehikel vermarktet. Das ist verständlich, wenn man bedenkt, dass sie das zentrale Objekt des Films ist - um ihre berühmten Augen hervorzuheben, wurde der Film sogar mit Blaustich gefilmt. Ihr Schauspiel lässt kaum zu wünschen übrig. Sie spielt eine bodenständige, pragmatische, aber dennoch leicht verrückte Frau, die nicht an die wahre Liebe glaubt. Zwar ist Summer einem anfangs sympathisch, doch ehe man sich versieht, geht sie einem auf die Nerven - ohne dass Deschanel ihre Art gross verändert hätte. Wieder einmal hat der schauspielerische Minimalismus über die exzessive Emphase gesiegt. Doch auch Joseph Gordon-Levitt funktioniert nach diesem Schema. Im einen Moment mag man den Mann, im anderen fragt man sich, weshalb er sich jetzt dermassen idiotisch aufführt. Professionelles, junges Schauspiel, gepaart mit einer sorgfältig entwickelten Charakterzeichnung, ist alles, was es für ein kleineres Sympathiedilemma beim Zuschauer braucht. Da (500) Days of Summer trotz seiner dominierenden Hauptfiguren nicht ohne Einfluss nehmende Nebenfiguren auskommt, mussten auch die Nebenrollen ansprechend besetzt werden. Hier macht vor allem Chloe Moretz, eine Jungschauspielerin in der Art von Abigail Breslin, als Toms Schwester Rachel, der ruhende Pol und die Stimme der Vernunft unter ratlosen Männern, auf sich aufmerksam. Toms Freunde sind wohl das Konventionellste an (500) Days of Summer, was ihre Witzigkeit aber, anders als die mässig lustige Herrentruppe in Knocked Up, trotzdem kaum einschränkt. Vor allem Geoffrey Arend sorgt in betrunkenem Zustand für einige einfache, nicht speziell anspruchsvolle Witze, die man als Zuschauer mit einem ehrlich gemeinten Schmunzler quittiert. Daran ist überhaupt nichts Schlimmes. Ganze Filme hätten mit diesem Humorkonzept gerettet werden können.
Wie Juno bedient sich auch (500) Days of Summer musikalisch munter beim Indie-Genre: The Smiths, The Temper Trap, Feist, She & Him (bestehend aus M. Ward und Zooey Deschanel selbst) und andere. Abgerundet wird das Ganze durch die Berücksichtigung von Carla Bruni und Simon & Garfunkel. Die Musik passt zum Film und lässt sich gleichzeitig auch hervorragend verkaufen - der Traum eines jeden Produzenten.

Marc Webb greift in seinem Film die schwierige Thematik der Generation der Twentysomethings auf, die bereits in Zach Braffs surreal-absurder Romanze Garden State behandelt wurde. Braff beschäftigte sich in erster Linie mit der Entwicklung und den Zukunftsperspektiven, der Menschen, die in den 1980er- und 1990er Jahren aufgewachsen sind. Webb, Neustadter und Weber stellen sich selbst und dem Publikum die Frage, wie diese Generation mit der Liebe umgeht. In (500) Days of Summer werden zwei Meinungen miteinenader verglichen. Tom glaubt an die wahre Liebe, wie er sie im Ende von The Graduate zu sehen meint - die letzten Sekunden des Films scheinen ihm dabei entgangen zu sein -, während Summer deren Existenz entschieden anzweifelt. So ist Marc Webb nicht nur ein lustiger und romantischer, sondern auch ein sehr anspruchsvoller Film gelungen, der einem mehr bietet als man es von einer Liebeskomödie erwartet.

Wem kann man (500) Days of Summer empfehlen? Frisch verliebten Paaren? Jawohl. Verliebten Singles? Ebenfalls. Kinofans? Aber natürlich! Der Film spricht einen auf mehreren Ebenen an, ohne jedoch deprimierend oder getragen zu wirken, obwohl es ja eigentlich um eine Trennung geht. Er erlaubt es einem, in eine romantische, stellenweise aber auch bittersüsse Welt einzutauchen, die einen zum Lachen geradezu herausfordert. Selten wurde eine dem Untergang geweihte Beziehung filmisch so leichtfüssig und intelligent präsentiert. Wieder einmal zeigt ein Independentfilm den Grossproduktionen, wie man es machen muss.

District 9

"Sie haben 24 Stunden, um ihr Haus zu verlassen": Der Staatsangestellte Wikus van de Merwe (Sharlto Copley, 2 v.l.) streift mit Feuerschutz durch den Slum District 9 und zwingt die Aliens aus ihren Häusern. Bald wird sich sein Leben aber dramatisch verändern.

5 Sterne

Die südafrikanische Filmindustrie ist alles andere als weltbewegend. Hie und da macht ein Film über soziale Probleme oder die Apartheid auf sich aufmerksam - etwa der von allen Seiten gelobte Tsotsi aus dem Jahre 2005 oder Clint Eastwoods neustes Projekt, Invictus, der den Amerikanern Ende Jahr ins Haus steht. Aber ein Science-Fiction-Film aus Südafrika? Das gab es noch nie. District 9 überraschte an den Kinokassen und lenkte den Blick der Kinowelt auf den Regisseur Neill Blomkamp und den Hauptdarsteller Sharlto Copley. Vermarktet wurde der Film in bewährter Cloverfield-Manier: Kurze Clips wurden ins Internet gestellt, der Plot vielfach nur angedeutet und noch bevor auch nur ein Normalsterblicher den Streifen gesehen hatte, redeten alle darüber- Dies liegt wohl nicht zuletzt auch am populären und berühmten Produzenten Peter Jackson, der bekanntermassen eine Ader fürs Exzentrische und Spezielle hat - siehe seine ersten Gehversuche als Regisseur (Stichwort Meet the Feebles). Aber trotz der neuseeländischen Unterstützung ist District 9 ein eindringlicher, hintergründiger und vor allem sehr südafrikanischer Action-Science-Fiction-Film geworden.

Das Sci-Fi-Genre läuft sich langsam zu Tode. Klischees häufen sich, die Filmemacher wiederholen sich zu oft und ein neues Epos à la Star Wars taucht auch nicht mehr auf. Vielleicht brauchte es gerade deshalb einen Produzenten wie Peter Jackson, der sich in der boomenden Fantasy-Abteilung gerade häuslich eingerichtet zu haben scheint. Dank seiner Hilfe bekam District 9 die finanzielle Unterstützung - das Budget belief sich immerhin auf 30 Millionen US-Dollar (eingespielt hat er bisher ungefähr 200 Millionen) -, die er benötigte, um visuell ansprechend zu erscheinen. Um den nicht uninteressanten Inhalt war Neill Blomkamp besorgt, der gemeinsam mit Terri Tatchell das Drehbuch verfasste. Die Art, in der District 9 angelegt ist, mag nicht neu sein, aber allein schon das Setting Johannesburg verleiht dem Film einen besonderen Touch. Aber auch die Idee, das Ganze in eine Art Dokumentarfilm einzubetten, hat durchaus ihren Reiz. Anfangs hüllt sich der Film in Schweigen, worauf man in der Exposition eigentlich hinauswill. Verschiedene Bekannte eines gewissen Wikus van de Merwe, der selbst auch in einigen Aufnahmen zu sehen ist, reden über etwas, das ihm angeblich zugestossen ist. Gleichzeitig erklären einem ein paar Experten, dass 1982 ein ausserirdisches Raumschiff über Johannesburg gelandet ist und dass die Besatzung, seltsame Wesen, die aufgrund ihres Aussehens "Prawns" (Crevetten) genannt werden, nachdem entdeckt wurde, dass sie weder eine Bedrohung darstellen noch den Fortschritt vorantreiben können, in den Soweto-Slum "District 9" verfrachtet wurden. Und danach nimmt District 9 volle Fahrt auf, die bis gut 20 Minuten vor dem Ende durchhält. Am Ende scheint Blomkamp leider etwas zu verschwenderisch mit dem ihm zur Verfügung stehenden Geld umgegangen zu sein, da die finale Actionsequenz stark an (gute) Szenen aus Transformers erinnert. Trotzdem bekommt man als Zuschauer etwas geboten und darf sich an recht expliziter Gewalt "erfreuen". Aufs Ganze gesehen, ist District 9 recht flott geschrieben. Die Story ist originell und trägt zuweilen auch satirische Züge. Der Rassismus, der gegenüber den Aliens praktiziert wird, soll natürlich Erinnerungen an die Zeit der Apartheid wecken, und einen mahnen, dass soziale Verwahrlosung auch eine Folge von Vorurteilen und staatlicher Vernachlässigung ist. Es ist Blomkamp und Tatchell auch zugute zu halten, dass die heikle Thematik auch immer wieder mit bitterem Humor angegangen wird. Die Aliens verhökern die Waffen, die nur sie bedienen können, für Katzenfutter, es gibt Prostitution zwischen den Spezies, die führende nigerianische Slum-Bevölkerung fürchtet sich vor einem Putsch der "Prawns" und die Menschen, die einmal unter dem Regime der Apartheid gelitten haben, scheinen überhaupt nichts dazugelernt zu haben.

Auch der Cast agiert auf einem höheren Niveau als man es von einem knalligen Science-Fiction-Reisser erwarten könnte. Insbesondere der Hauptdarsteller, Sharlto Copley, zeigt eine extrem gute Leistung. Wikus' Angst, sich in ein Alien, die er aufgrund seines Berufs verachtet, zu verwandeln, wird von Copley überragend vorgetragen. Die Charakterentwicklung und die Gefühle der Figur wirken sehr glaubwürdig. Unterstützt wird der Hauptdarsteller von einer gut aufspielenden Vanessa Haywood, die Wikus' Ehefrau verkörpert, von Eugene Khumbanyiwa, der einen nigerianischen Warlord mimt, und von David James, der den von Hass gegen die Aliens zerfressenen Militärkopf Koobus Venter spielt. Der zweite Hauptdarsteller ist allerdings ein Ausserirdischer, der kluge "Christopher Johnson", der mit seinem Sohn an einem Plan zur Flucht von der Erde arbeitet. Die gurgelnde Sprache von ihm und seinen Artgenossen und der breite südafrikanische Dialekt der Menschen tragen viel zur Originalität von District 9 bei.

Lassen sich mit einem Budegt von 30 Millionen US-Dollar wirklich beeindruckende Spezialeffekte herstellen? Oder sind 200 Millionen, wie im Falle von Transformers: Revenge of the Fallen, nötig? Nun, die Art, in der die Actionszenen gefilmt wurden, trägt viel zur Wirkung der Effekte in District 9 bei. Oft stellt der Kameramann Trent Opaloch die Kamera direkt hinter die Person, die von einer Alienwaffe erschossen wird. Da diese Waffen ihre Opfer quasi zerspringen lassen, erzeugt dieser Kniff häufig die Illusion von 3D. Auch wussten Opaloch bzw. der Chef des Effektedepartements, David Barkes, den aus Splatterfilmen bekannten Effekt von Blutspritzern auf der Linse optimal einzusetzen. Fehlerlos wird einem auch die finale Materialschlacht präsentiert. Obwohl diese vielleicht etwas zu lang und - im Vergleich mit der vorangegangenen Action - konventionell geraten ist, sollte dabei dennoch keine Langeweile aufkommen. Auch die Aliens, die teils Puppen, teils computeranimiert, sind, wirken in jedem hässlichen Körperdetail echt. Die Charakterdesigns sind ebenso gelungen.

Man kann sich vielleicht vorstellen, dass eine Mixtur aus Science Fiction, Fantasy und Mockumentary schwierig zu beschreiben und sachlich zu kritisieren ist. District 9 ist in jedem Punkt Geschmackssache. Wer aber der formelhaften amerikanischen Grossproduktionen in diesem Genre überdrüssig ist, sollte einen Blick riskieren. Der offene Schluss entlässt einen auch mit genug Gesprächsstoff ins Foyer. Logiklöcher? Unrealistische Verhaltensmuster? Schwarzmalen der menschlichen Mentalität? Eine gewisse Berechtigung haben diese Vorwürfe ja, aber der cineastische Wert von District 9 wird dadurch kaum beeinträchtigt. Dafür ist dieser südafrikanische "Independent-Sci-Fi-Thriller" schlicht zu spannend und zu eindringlich.

Up

Reise ins Ungewisse (denn das GPS macht bald den Abflug): Der Rentner Carl (Stimme von Ed Asner) und der Pfadfinder Russell (Stimme von Jordan Nagai) fliegen mit einem Haus nach Südamerika, wo die Abenteuer nur auf sie warten.

6 Sterne

Pixar zu kritisieren ist nicht einfach. Das Studio produziert einen Hit nach dem anderen und ist zweifellos marktführend in Sachen Animationsfilme. Seit ihrem ersten Langspielfilm, dem revolutionären Toy Story (1995), sind fast 15 Jahre ins Land gegangen und die digitalen Techniken wurden um ein Vielfaches verfeinert. Doch allen Filmen liegt stets etwas zugrunde, was man, besonders bei Filmen, die Erwachsene und Kinder ansprechen, immer seltener zu sehen bekommt: Herz. Pixar biedert sich nicht mit leicht vermarktbaren Figuren an - obwohl Cars und Finding Nemo hin und wieder mit diesem Vorwurf zu kämpfen haben - und nimmt seine Zuschauer ernst. Dadurch haben die Filme von Pixar immer eine gewisse Reife an sich, die Streifen der Konkurrenz wie Open Season oder Ice Age eher vermissen lassen. Und trotzdem bleiben die Stoffe kindgerecht. Nun haben die Produzenten des legendären Studios ihren neusten und wohl erwachsensten Streich bisher auf die Zuschauer losgelassen: Up. Gibt es diesmal etwas zu kritisieren? Kaum.

Es mag einem etwas gewagt erscheinen, einen Film, der in erster Linie die Geschichte eines Rentners, der mit einem Haus nach Südamerika fliegt, als erwachsen zu bezeichnen. Aber ist es nicht die Albernheit, die, in Verbindung mit den reifen Zügen, Pixars Filme ausmachen? Ist Toy Story, hintergründig ein Märchen über Akzeptanz und das Geniessen eines Zustandes, solange er da ist, nicht voll mit witzigen, ja albernen Possen? The Incredibles ist ebenso gespickt mit Absurditäten und bleibt deswegen trotzdem eine ironische Hommage an das Amerika, das seine erfundenen Helden über alles liebt. Auf genau diese Weise ist Up ein animierter Abenteuerspass für Kinder einerseits, eine Geschichte über Loslassen und das Meistern von neuen Aufgaben für Erwachsene andererseits. Dabei wissen die Regisseure Pete Docter und Bob Peterson das Ganze meisterhaft wiederzugeben. Die Gratwanderung zwischen melancholisch-langsamem und zügigem Erzählton ist hervorragend gelungen. Und Petersons Drehbuch ist ein Musterbeispiel für professionelle Dramaturgie. Up wird exzellent erzählt und macht aus einer recht simplen Grundidee mehr als man hätte erwarten können. Auch die Charakterzeichnung - ein wichtiger Punkt, da der Film vor allem von seinen Figuren vorangetrieben wird - überzeugt zu 100%. Der an Spencer Tracy angelehnte Rentner Carl, der von einem herrlich grummligen Ed Asner gesprochen wird, und der kleine Russell, überzeugend synchronisiert von Jordan Nagai, sind Figuren, die direkt aus dem Leben gegriffen zu sein scheinen. Beide sind weder reine Kunstfiguren noch weit hergeholt. Es sind echte Menschen, die ein unglaubliches Abenteuer bestreiten. Carl hat mit der modernen Welt zu kämpfen (in der es auch Platz für einen Auftritt des Pixar-Kultsprechers John Ratzenberger gibt), obwohl er stur in der Vergangenheit lebt und sich nicht dazu entschliessen kann, zu neuen Ufern aufzubrechen, während Russell verzweifelt die Anerkennung sucht, die ihm seine Eltern nicht geben. Der Antagonist, Charles Muntz, stimmlich virtuos wiedergegeben von einem hervorragenden Christopher Plummer, hat einen etwas spektakuläreren Hintergrund, doch auch er hängt grundsätzlich einem Traum nach - offenbar ein Leitmotiv des Films. Zwar bewegen sich Muntz' intelligente Hunde mit ihren überzeichneten Fähigkeiten gefährlich nahe an der feinen Linie, welche die stilvolle Albernheit von der simplen Lächerlichkeit trennt, doch angesichts der ersten zehn Minuten des Films sind diese kleinen Probleme vergeben und vergessen. Die Eingangssequenz gehört nämlich zum Bewegendsten, was Pixar je auf die Leinwand gebracht hat. Der Anfang von Up ist - Verzeihung, wenn es abgedroschen klingt - schlicht und ergreifend perfekt. Carl sieht sich als Kind einen Bericht in einer Wochenschau an. Er ist tief beeindruckt und findet kurz darauf die Liebe seines Lebens, Ellie. Was folgt, sind zehn Minuten reinste Filmmagie. Ein häusliches und eigentlich ganz alltägliches Leben flimmert über die Kinoleinwand und dürfte so manchem Zuschauer eine Träne entlocken. Dieses Kabinettstück von einer Anfangssequenz wird im Abspann nochmals aufgegriffen. Gewidmet ist der Film nämlich "the real life Carl and Ellie". Wer das sein soll, wird nicht verraten. Eine denkbare Antwort wäre, dass Up all jenen Leuten gewidmet ist, die ein Leben ausserhalb von Konvention und Norma führen, ein Leben, das von Abenteuern, auch wenn man sie nur in seinen Gedanken erlebt, getrieben ist. Inspirierende Leute, die aber gleichzeitig auch wissen, dass das grösste Abenteuer das Leben selbst ist.

Up lebt von seinen Figuren, der fantasievollen Story und den realitätsnahen Themen, die angeschnitten werden. Wie immer bei Pixar bleibt auch das Prinzip der Freundschaft nicht aussen vor. Carl und Russell, ein überaus seltsames Paar, entwickeln auf eine glaubwürdige Art und Weise eine freundschaftliche Beziehung, die beiden das gibt, was ihnen bis anhin gefehlt hat. Doch beide merken auch, dass es auf der Welt mehr als nur die eigenen Probleme gibt. Ihr gemeinsames Eintreten für den etwas naiven Hund Dug, gesprochen von Bob Peterson (!), und den wunderbar einfältigen Riesenvogel Kevin, ein Weibchen nota bene, wird auf eine charmante, augenzwinkernde, aber zugleich auch ernstzunehmende Weise geschildert, einer Weise, die andere Disney-Filme schon seit Jahren nicht mehr richtig hinbekommen haben.

Auf der Animationsebene scheint Up nach WALL•E auf den ersten Blick ein Rückschritt zu sein. Sieht man aber genauer hin, dann stellt man fest, dass Up im Prinzip nichts anderes ist als ein animierter Zeichentrickfilm, während der Teil von WALL•E, der auf der Erde spielt, sich eher als animierter Realspielfilm verstand. Die Menschen, die darauf erschienen waren aber merklich weniger souverän gemacht als die Menschen in Up. Insbesondere die Augen und die Gesichtsausdrücke der Menschen wurden merklich verbessert. Und auch die bewegungsreichen Szenen und die Panoramaaufnahmen zeigen einmal mehr, dass die Crème de la Crème der Animatoren bei Pixar unter Vertrag stehen.

Abgerundet wird der Film durch einen stimmigen Score, der gute Chancen auf einen Oscar hat. Michael Giacchino, ein Multitalent, wenn es um Filmmusik geht, wusste Up mit passender und zuweilen auch mitreissender Musik zu versehen - Kompliment.

Es hat keinen Sinn, die Negativpunkte von Up hervorzuheben. Es wäre bloss Haarspalterei. Pixars neustes Werk mag vielleicht nicht perfekt sein und nicht ganz an Monsters, Inc. und Toy Story herankommen, aber es reicht ganz nah an die Bezeichnung "Meisterwerk". Einmal mehr wurden die grossen Konkurrenten ausgestochen und Pixar dürfte bei einem Oscar-Hattrick (drei Siege hintereinander) nicht überrascht sein - und das Publikum nicht verärgert. Doch kann Up von den nächsten Filmen des Studios getoppt werden? Toy Story 3 (2010), Cars 2 (2011), The Bear and the Bow (2011) und Newt (2012) stehen uns in den nächsten Jahren ins Haus. Und überall scheint es mit viel Fantasie zuzugehen. Na, da freuen wir uns aber!

Coraline

Nicht das wahre Leben: Coraline (Stimme von Dakota Fanning, Mitte) fühlt sich von ihren Eltern (Stimmen von John Hodgman und Teri Hatcher) vernachlässigt. Doch ob die Gegenwelt hinter der Tür in der Wand wirklich so viel besser ist?

5 Sterne

Henry Selick ist so etwas wie ein Magier. Seine Filme entführen einen in wundersame Welten, denen es an fantasievollen Designs und verqueren Charakteren nicht mangelt. Selicks Mitarbeit verleiht jedem Film ein gewisses Etwas - selbst wenn er, wie in The Life Aquatic with Steve Zissou, nur für die Unterwasserspezialeffekte zuständig ist. Als Regisseur hat er bisher vor allem mit den Stop-Motion-Abenteuern The Nightmare Before Christmas und dem etwas kindlichen, aber nichtsdestoweniger unterhaltenden James and the Giant Peach auf sich aufmerksam gemacht. Auch das neuste Werk des Meisters wurde mit der mühseligen Stop-Motion-Technik gefilmt. Der Stoff: Coraline, eine Fantasy/Horror-Novelle des Kultautoren Neil Gaiman - wie gemacht für Henry Selick! Und wie war das mit den fantasievollen Designs und verqueren Charakteren? Hier schöpft Selick aus dem Vollen!

Coraline ist der erste Langspielfilm des Studios Laika. Knapp 120 Millionen US-Dollar hat der kleine Film bereits eingenommen, was den doppelten Produktionskosten entspricht. Und man darf neidlos zugeben: Jeder Cent ist verdient. Wo soll man mit dem Loben anfangen? Die Story an sich ist im Prinzip schon meisterhaft. Doch was Henry Selick daraus gemacht hat, verdient höchste Anerkennung. Wie Neil Gaimans Vorlage strotzt auch der Film vor Fantasie, schrägen Figuren und einer Geschichte, die den schmalen Grat zwischen kindlicher Neugierde und dem Grauen vor dem Neuen mit souveräner Balance beschreitet. Obwohl diese Balance besonders am Ende des Films etwas aus den Fugen gerät. Dort kommt man sich als Zuschauer nämlich etwas gehetzt vor und es hat alles etwas den Anschein, als ob die Macher von Coraline den Streifen unbedingt unter 100 Minuten halten wollten. Zugegeben, meistens ist ein solches Bestreben sehr löblich, doch bei einem Feuerwerk der Fantasie wie Henry Selicks Adaption eines Neil-Gaiman-Buches - allein schon diese Prämisse verspricht einen guten Film - hätte man gut und gerne auch noch ein paar Minuten mehr ausgehalten. Dieses Schlingern auf der Zielgeraden ist aber auch so ziemlich das einzige, was sich Coraline an Kritik gefallen lassen muss. Ansonsten: Chapeau! Selick wusste anscheinend ganz genau, wie er zwischen dem eigentlichen Plot und den kleineren Charakterstudien der Nebenfiguren hin und her pendeln muss, um keine Inkohärenz aufkommen zu lassen. Entsprechend erfreut der Film nicht nur Anhänger des Erzählkinos, sondern mit einem Flair für abstruse und ausgefallene Details. Letztere wurden demnach von einigen amerikanischen Zeitgenossen als zu kinderunfreundlich kritisiert; sie mögen nicht ganz Unrecht haben, doch genau diese sind es, die Coraline von gängigen Animationsfilmen abheben. Der verrückte Mr. Bobinsky, die verblühenden Miss Forcible und Miss Spink oder der liebenswürdige Möchtegern-Draufgänger Wybie, sie alle sind Charaktere, die man gleich bei ihrem ersten Auftritt ins Herz schliesst. Dass dies nicht zuletzt an den Stimmgebern liegen dürfte, ist schwerlich zu widerlegen. Ian McShane, der Bösewicht mit der passenden Stimme aus Kung Fu Panda, Jennifer Saunders und Dawn French hauchen den Figuren mit ihren jeweiligen Leistungen soviel Leben ein, dass die Tatsache, dass es sich um Puppen handelt, bald vergessen ist. Doch auch die Hauptfiguren sind optimal besetzt. Dakota Fanning zeigt in der Titelrolle viel Talent für das Synchronsprechen, mehr als fürs Schauspielern, wie dem Rezensenten scheint. Egal ob ihr Tonfall ängstlich oder sarkastisch ist, Fanning trifft immer ins Schwarze und hilft mit, Coralines vielschichtige Persönlichkeit auf die Leinwand zu bringen. An ihrer Seite glänzen Robert Bailey Jr. als Wybie, Keith David als Kater mit einer herrlich sonoren Stimme, John Hodgman als Coralines Vater und Teri Hatcher als Mutter. Besonders Teri Hatcher macht einen eindringlichen Eindruck auf das Publikum. Ihr Wechseln zwischen guter anderer Mutter und böser Hexe ist hervorragend gelungen.

Die farbigen Tableaux, die Henry Selicks Filme auszeichnen, sind auch in Coraline in grosser Zahl vorhanden. Vor allem die Gegenwelt, in die Coraline stolpert, ist voll von liebevoll gestalteten Details und betörenden Designs. Wie diese Umgebung sich aber zusehends in ein erdrückendes Gefängnis verwandelt, ist ebenso meisterhaft eingefangen, auch ein Verdienst des Kameramannes Pete Kozachik. Ihm und dem vorzüglich ausgearbeiteten Setdesign ist es zu verdanken, dass Coraline auf der visuellen Ebene beeindruckt. Das Ganze kann man sich zwar auch in 3D anschauen, doch dies kommt dem Film, wie man hört, nicht unbedingt zugute. Da hält man sich lieber an die herkömmliche Version.

Es kann darüber diskutiert werden, ob Coraline tatsächlich kinderunfreundlich ist. Sicher enthält der Spass einige Szenen, mit denen die Kleinsten nicht umzugehen vermögen. Und auch die letzten 20 Minuten könnten das eine oder andere Kind das Fürchten lehren. Doch für abgehärtete junge Kinogänger sowie das erwachsene Publikum steckt der Film voller Überraschungen und Denkanstösse. Das Interpretieren von Kinderfilmen macht ja immer besonders Spass, weshalb diesem Sport auch hier gefrönt werden sollte. Wer The Door in the Floor gesehen hat, wird sich unweigerlich daran erinnert fühlen, wenn Coraline das erste Mal die Tür zur fantastischen Parallelwelt öffnet. Der Gang ins Ungewisse, der Ausbruch aus der vertrauten Umgebung - ein Gedanke, den viele Kinder hegen. Doch kaum hat sich das Mädchen an diese vielfältige und ungleich buntere Welt gewöhnt, kommen Zweifel in ihr auf. Zweifel, die durch das Bestreben ihrer anderen Mutter, ihr Knöpfe auf die Augen zu nähen, nur noch bestärkt werden. Sieht man einmal vom märchenhaften Teil ab, erkennt man, dass in diesem Konzept viel Wahrheit steckt. Das Alltägliche lockt einen doch über kurz oder lang wieder zurück, denn auch das Neue und Unbekannte ist nicht perfekt. Eine wichtige Lektion, die jedes Kind einmal lernen muss. So gesehen ist Henry Selicks Film nicht nur ein Animationsabenteuer der besonderen und verspielten Art, sondern auch ein Versuch, Kinder auf einer persönlichen Ebene anzusprechen. Und alles ohne dick aufgetragene Moralreden oder zähe Monologe. Das ist ein wahrer Kinderfilm.

Henry Selicks Coraline ist von der ersten, an Corpse Bride und The Nightmare Before Christmas erinnernden, Szene bis zum Insiderwitz am Ende des Abspanns ("For those in the know: Jerk Wad") ein gelungener Film. Zwar nicht ganz perfekt, da das Ende zu abrupt da und zu schnell wieder vorbei ist, aber rundum unterhaltsam und verträumt. Das Laika-Studio hat beim ersten Versuch einen Volltreffer gelandet und weist FOX und dessen Ice Age in seine Schranken. Pixars Up wird bei den Oscars im März wohl Gesellschaft von Independent-Produktionen wie Coraline, Fantastic Mr. Fox oder Mary and Max bekommen. Sieht die Zukunft des erfolgreichen Animationsfilms so aus? Hoffentlich.